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【音乐剧课堂】我在纽约 学习音乐剧

小依音乐剧课堂2019-04-14 11:37:56

中演协音乐剧专委会








刘佳 于2014年8月—2016年8月获得国家留学基金委的资助,以访问学者的身份受邀于美国New York Univrsity Steinhardt School of Culture, Education and Human Development(纽约大学斯坦哈特文化、教育和人类发展学院)进行两年的访学与交流。所研修的科系是Music and Performing Arts Professions(音乐表演艺术系),研修方向是美国音乐剧表演和音乐剧舞蹈教育,其中也包括对美国音乐剧作品的分析。



此间,有幸师从美国著名音乐剧演员、演唱家,纽约大学斯坦哈特学院音乐表演系声乐表演专业教授、高级导师,声乐表演专业本科和研究生教学总监玛格丽特—布塞特(Meg Bussert)。两年时间里,旁听了声乐表演系本科生(四年制)与研究生(两年制)的各项专业课程,并协作完成了学院音乐剧专业的教学工作,参与编排和表演了一些作品。与导师Meg Bussert ,以及纽约大学各教授、老师们,还有学院外的音乐剧的创作者、表演者建立了良好的学术交流的关系。


两年的时间收获颇丰,希望可以借鉴学习国外先进的艺术教育理念和创作规律,从而促进我国未来音乐剧艺术事业的发展。



以下内容为刘佳留学回国后的思考

(文章所用照片版权作者所有,若有使用联系作者)




我访学的研修方向根据本人的舞蹈专业背景,以及对身体语汇的熟悉,同时结合国内在中央音乐学院的教学工作,继续致力于对自己研究兴趣——音乐剧演员的表演形体创造与运用的课题,以及如何提升声乐演员在不同音乐节奏、情绪中身体在演唱与表演中的表现力。在与Meg Bussert 教授研讨此课题时,我们发现歌唱演员在舞台上演唱或者表演时,他们经常不太确定自己的形体动作和身体语汇的正确表达,当内心情感或音乐情绪达到一定程度时,他们的身体却常出现呆板或拘谨的状态,或者他们会刻意模仿某些动作来套用到当下的情绪表达中,就出现了表演生硬、不真实的感觉。




这样的问题非常束缚演员在舞台上的能量与情感的发挥,也让演员自己和观众产生不舒服或怀疑的表演、观演心理。Meg教授使用一些方法和技巧激发学生们内心的感受力,鼓励年轻的演唱者向外抒发表达他们内心的需要和戏剧性的情感。她在Michael Chekhov的演员训练技巧的基础上,开发了新的表演形体训练方法和技巧,如:1)Psychological Gesture(心理姿势、手势法),通过身体做出某种夸张的动作,由外部动作刺激内心感受,记忆并正确地带回到内心里,再外化运用到对话与表演当中。2)Body Language(身体语汇),通过形体训练开发演员身体的多种表现方式,为戏剧角色和表演情绪做合理的身体动作的表达。3)Mime(哑剧),无声的表演,以动作和表情来表达戏剧的剧情,淡化语言的传达,充分开发演员的形体和面部表情的表现力。这些行之有效的方法和手段都是为了更好地建立演员的表演自信心,真实地、自如地、合理地运用身体来传达内心情感以及戏剧关系与冲突的技巧。这也是本人即将作为课题来研究的“调查在西方表演文化中如何用身体来说话”。



经过Meg教授的引荐,我也接触到了美国有关身体语言研究方面的专家和教授,并对他们做了采访和研讨。同时,本人还接受了Alexander Technique(亚历山大技术)的私人课程,一对一地亲身体验了这门技术。Alexander Technique(亚历山大技术)是一种使运动机能和心理机能得以协调和康复的身体训练方法,引导学员们发展一种使身体的各部位肌肉与大脑达到协调配合的能力。


首先,调整从颈部到肩部直至背椎以及其他部位达到放松、舒适的最佳位置,在正确的身体状态下调整肌肉的用力方法,再把此运动方法带入到平时的坐姿、行走、跑步甚至舞蹈、形体表演当中。这套技术可以更好地帮助音乐演奏家、导演、演员、舞者以及歌者发挥所长。亚历山大技巧最大的特色和优点是:亚历山大技巧能够24小时被运用在我们的生活中,不需要额外挪出时间练习,或仅需很少的练习时间,而且他对我们的好处以及帮助也是不分时间地点或活动种类的。



 Health Performances ( Voice and Movement Intergradation) (科学表演,声音与形体的结合)工作坊。研究身体语汇在声乐表演中的状态,力的分配、节奏的处理以及舞台的表现力,对于音乐剧和声乐表演系学生的培养起着至关重要地作用。这不同于纯舞蹈专业的训练,而是根据歌曲情感表达的需要在放松与收紧之间正确地运用身体,丰富歌曲曲目表演的戏剧性与表现力。使演员自信并有意识地在不同的音乐节奏与情绪中、情感状态下身体更具戏剧性、更真实地传达内心的情感以及戏剧冲突与关系。这两个专业,目前在国内的研究比较少,但针对声乐、舞蹈、音乐剧专业,甚至器乐类专业的学生来说,对于身体科学的运用与健康的表演方式的了解具有非常重要的意义和帮助,同时对于本人在声乐与形体,表演与形体的研究上有更深的认识。


在美国本科生入学时,都会有一个声乐面试,老师会根据学生的情况给予专业教师的分配,同时也会为学生定下专业方向,古典声乐专业和音乐剧专业。


在大一和大二的时期,学生们进行双专业的课程学习,也就是同时学习古典声乐和音乐剧唱段。进入到大三时期,学生们就会确定自己的专业方向,根据自身的情况,进行更深入的学习和研究。这样的教学安排,拓宽了学生的专业选择面和知识面,毕业后他们同时可以选择歌剧或音乐剧作品的表演。


在所参与的美国课堂上,我发现教师非常注重培养学生们的思考力和判断力,秉持以人为本的个性化教学体制。学生们常常处于主动学习和创造的位置,老师们只是起到引导和建议的作用,以提问题和讨论的方式教学,学生们并不是被动的接受老师所传授的课程内容,而是积极的表达自己的态度和感受,积极地参与到讨论当中。老师对于学生每一次的回答都会给予足够的肯定和鼓励,很少会出现批判式的语气和态度。


学生们的表演创造能力提高很快,他们习惯表达自己的想法、感受和态度,非常清楚自己的需求与目标,并为之努力。这恰是我国的学生们在被动式学习、灌输式和应试教育下,所需要借鉴学习的主动性、真实性、创新性的学习方法和能力。



因为我有的舞蹈专业背景,也被纽约大学斯坦哈特学院舞蹈教育系邀请,参演了该系2015年11月的“研究生舞蹈晚会”和2016年4月的“卓越教师舞蹈展演”。斯坦哈特学院舞蹈教育系在专业设置上并非是追求舞蹈技术技能上的高精尖表演人才的培养,而是专注于舞蹈的普及教育与编创人才的培养。纽约大学斯坦哈特学院的舞蹈教育系没有本科,只有研究生教学设置。他们系有三个舞蹈教育培养方向:1)ABT芭蕾专业,主要以ABT芭蕾教学大纲为主,培养芭蕾舞教育人才;2)High Profession专业,为各高校培养舞蹈教育人才;3)K—12素质教育专业,培养教授幼儿园到高中的舞蹈教师,以艺术素质教育为主。美国非常强调中小学的艺术美育教育,而此舞蹈系将是为各年级公立学校输送舞蹈普及教育人才,以科学的、循序渐进的教学方法,提升学生的人文艺术素养和教学能力。




在这两年期间,除了调研纽约大学的教学课程,我还利用课余时间分别在校外Broadway Dance Center、Peridance Capezio Center 和 Steps on Broadway美国纽约专为百老汇演员提供专业训练的舞蹈机构进行高级班的舞蹈研修,并与 ON THE TOWN;THE KING AND I;JERSEY BOYS;HAMILTON;FIDDLER ON THE ROOF;WICKED;AN AMERICAN IN PARIS;ALADDIN等多位美国当前知名的百老汇舞蹈编导及教师、演员们学习与交流。



这些舞蹈机构位于繁华的曼哈顿中城14街、时代广场45街和上城76街,每天从早晨8点到晚上10点都为不同级别的舞蹈爱好者和专业舞者们开设了不同风格种类的舞蹈课程,本人研修了爵士舞、剧场舞、现代舞、芭蕾舞、流行舞还有踢踏舞等等。在美国无论是在校的学生还是目前正在演出的专业舞者,他们都会通过课外的再继续研修来提升自己的专业能力,而唯有在这些舞蹈机构才可以接触到当下最时尚最流行以及最顶尖的校外教师资源,对于非专业舞者因为对舞蹈那份强烈的热爱,他们也会在工作之余像专业舞者一样进行不间断的训练,实现自己的舞蹈梦。本人通过学习美国最前沿的、不同风格的舞蹈门类来提高自身舞蹈表演与编创的能力。


在美国,音乐剧的产业化发展非常成熟而健全。繁华的曼哈顿城在第六大道和第七大道之间(南北走向的Avenue),从42街到50街(东西走向的Street)布满着百老汇(Broadway Musical Theaters)大大小小的核心音乐剧剧院,而在百老汇街区以外也有大小不等规模的外百老汇和外外百老汇剧场(Off-Broadway Musaical Theaters)。这些剧院在每天晚上同时上演不同风格的、精彩绝伦的音乐剧演出。而观众也会根据自己的喜好去不同的剧院排队买票观戏,每个剧院的观众量基本都是9成以上,几乎爆满。这样的演出量大大推动且活跃了美国音乐剧演出市场,同时这些优秀的创意无限的剧目也为音乐剧演员提供了尽情绽放光彩的舞台!每一台上演的百老汇音乐剧作品从剧本筹备、音乐创作、演员选拔直至排练试演,到最终登上舞台都需要2—5年时间的熬炼,才形成了一批长演不衰的百老汇经典音乐剧作品。作品的剧本大多选材改编于经典小说、电影或时下热点主题,通俗易懂且耳熟能详。音乐剧是音乐的戏剧,在剧本创作上与戏剧剧本不同,是以音乐叙事的形式。以曲折动人的故事核心情节为主,并在叙述上需要做大量的删减,无需呈现故事的每一个细节,而是为优美动人的歌曲、炫目多彩的舞蹈的创作留出空间。而百老汇音乐剧的艺术创作理念在现代化先进的舞台舞美设计、经典传唱的音乐旋律以及高超技艺极具感染力的舞蹈编创等方面,仍然占据世界的领先水平!这些也是极让人佩服和需要我们借鉴学习的!


如此以来,面对强大的美国音乐剧演出市场的需求,对于音乐剧创作人才的艺术素养以及唱、跳、演全面发展的“全能型”演员的培养显得尤为重要,这也成为了美国各艺术院校极为关注并为之努力的方向和目标。而学院的音乐剧专业各课程设置以及以人为本、创新性、全面发展的人才教育理念也正为美国音乐剧创演人员的培养奠定了坚实的基础。



美国的艺术教育强调独立思考能力的引导,强调对于艺术类人才直觉思维、判断力和创造力的开发与培养。从课程内容的设置到教学方法,以及创作实践等都可见其艺术教育价值体系的导向。在此教育体系下的学生们具备正确的学习动机,他们非常清楚自己作为创作者和表演者的意图,有目的性的、探索性的专注于自己所实践的每一件艺术作品,不论其是大或是小,他们都会乐此不疲的去钻研每一个细节,在创作实践中来认知自我、认知世界。而相对于我国艺术类人才的培养也需借鉴学习美国的教育理念,从多年的应试和灌输式的教育模式中改进到对于学生主体意识及个人能动性的开发,注重培养学生的创造力、思考力、判断力以及实践的能力。以提问、启发和研讨的互动式教学方法充分激发学生的想象空间和创造精神。尊重学生每一次的言论和专业回馈,以鼓励和肯定的教学态度,与学生建立良好的交流互动关系。课程上可以开设,如:声乐表演课程、声乐形体创作课程、高级爵士舞(现代舞、踢踏舞)体验课程、舞台技巧课程、音乐剧经典片段表演课程、应试技巧课程以及即兴创作课程等等。以音乐表演和形体创造的角度,全面提升音乐类学生的艺术素质和修养。




面对全球多元化艺术人才的培养,以及国内外音乐剧演出市场的蓬勃发展,如何培养多元化高素质的音乐剧艺术人才值得我们考虑。近几年以来,中国的音乐剧教育和演出市场发展迅速,各艺术院校都有开设音乐剧系或音乐剧专业,担当音乐剧人才培养的教员也越来越多,而适应音乐剧这个“复合型”人才的培养,我们需要从理念上和方法上有所突破,以开放接纳的教学思维和严谨的专业教学态度,担当起未来中国音乐剧人才培养的重担。


同时,根据我国音乐剧演出市场的剧目类型,无论是中国原创民族版、外国引进合作版或外国引进翻译版,都要求演员具备随时“转语境表演”的能力,在唱、跳、演上严格把握各国家各民族的审美取向和风格特性,如此以来对于音乐剧演员的表演能力又增添了难度。然而,美国音乐剧演出市场的成功见证了这一独特艺术所具备的魅力,以及对于观众们的巨大吸引力。



中国音乐剧事业的发展还在探索的道路上,任务艰巨,也极具挑战性。但这是一场非常有意义的,并与时俱进的舞台艺术的探索与创新。对于未来我充满信心,也愿意积极参与到中国音乐剧人才培养的教师队伍中,与各位前辈同行们一起为音乐剧艺术事业的发展添砖加瓦。





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